ChilArte

1ª FERIA DE ARTE EN PANDEMIA

Presencial - Virtual · Stgo., Chile

Lunes a Domingo, 10 a 19 hrs.
Local 481, Distrito de lujo, Parque Arauco

Sala de Exposiciones CHILARTe inicia el 2022 con lo mejor del arte contemporáneo nacional

  • CHILARTe evoluciona para convertirse en un espacio permanente para la exhibición de obras y piezas utilitarias originales expresamente encargadas a artistas con promisoria trayectoria.
  • La iniciativa surge en julio de 2021 de la mano de un grupo de amantes del arte y gestores culturales liderados por el Dr. Héctor Valdés con la finalidad de ayudar a los artistas a comercializar sus obras durante la pandemia.
  • Arrancamos el año con una selección de artistas “de la casa” y nuevos participantes que, en conjunto, ofrecen un rico panorama de la producción artística contemporánea chilena. La muestra se podrá ver del 15 de marzo al 12 de abril de 2022.
Catalina Mena, de la Serie cuchillos con Imágenes, Dupla hombre/mujer, 2012. Machetes de cocina perforados y bordados con hilo dorado en caja de acrílico, 33 x 51 x 6 cm.

CHILARTe inicia su calendario de actividades del 2022 con el objetivo de convertirse en un espacio permanente para la exhibición y venta de arte contemporáneo en la ciudad de Santiago. Ubicada en el vibrante Distrito del Lujo del Parque Arauco, Sala CHILARTe presentará a lo largo del año una serie de exposiciones que establecerán un diálogo entre artistas que han formado parte de su programación en el 2021 y nuevos participantes, con el fin de instalar una escena artística fresca y dinámica, en constante actualización.

Entre el 15 de marzo y el 2 de abril, exponen por primera vez en Sala CHILARTe los artistas Erika Cisternas, Dino David Yáñez, Natalia Gajardo, y Freddy Arratia. A ellos se suman “artistas de la casa”, un grupo heterogéneo de pintores, escultores y fotógrafos que han participado en las distintas exposiciones de CHILARTe en Santiago, Antofagasta y Osorno:

Amelia Errázuriz, Andrés Lima, Camila Maggi, Gabriel Holzapfel, Catalina Mena, Constanza Sierralta, Constanza Villalba, Daniela Orlandi, David Corvalán, Héctor Valdés, Joaquín Ceballos, Jordan Castillo, Karen Uribarri, Liza Marzolo, Maite Izquierdo, Margarita Garcés, Nicolás Wormull, Sol Guillón, Taller Bloc, Tomás Santelices.

Tras su exitoso debut en formato feria en julio de 2021, y ediciones en Antofagasta y Osorno que descentralizaron el acceso al arte y fomentaron la vinculación con artistas, agentes, escolares y público en regiones, CHILARTe se embarca ahora en la misión de posicionarse como una plataforma de difusión y comercialización de obras en un contexto nacional donde la oferta de espacios expositivos siempre ha sido insuficiente.

También como novedad este año, CHILARTe está comisionando a artistas piezas utilitarias exclusivas que unen arte y diseño en una misma experiencia estética, entre estos una serie de “Sombreros” de Fernando Soro

Dino David Yáñez, Sin título, óleo sobre tela, 70 x 54 cm.
Dino David Yáñez, El árbol, óleo sobre tela, 80 x 45 cm.
Freddy Arratia - CHILARTe
Erika Cisternas - CHILARTe
Natalia Gajardo, Cerámica, pigmento acrílico y acero galvanizado, 42 x 18 x 7 cm

Sobre los expositores

Músico de formación y artista de corazón, Dino David Yáñez se ha dedicado a la pintura de forma autodidacta desde su infancia. Sus pinturas exaltan la fuerza de la naturaleza, buscando provocar en el espectador el anhelo y la necesidad de recobrar la unión con la misma. En búsqueda permanentemente de nuevas técnicas, sus obras abarcan una amplia gama de estilos, desde clásicos paisajes hasta el expresionismo abstracto.

Pintor y arquitecto chileno, Freddy Arratia realiza pinturas que se van componiendo mediante espontáneas y repentinas decisiones. Mediante el ensayo y error, con amor y rebeldía por su oficio, crea obras autónomas e irrepetibles ligadas al Expresionismo Abstracto. Su estilo libre se alimenta de la inspiración que le da pintar junto a su hijo Bruno Zar. Ambos sienten que le roban momentos a la vida y los plasman en sus manifiestos.

En tanto, Erika Cisternas, arquitecta de profesión, presenta una serie de abstracciones que pueden leerse como paisajes mentales, estado del subconsciente capturados en composiciones de pintura y tinta sobre papel.

Desde niña, Natalia Gajardo se ha formado directamente con artistas en distintas áreas, lo que hizo posible que tuviera su primera exposición a los 17 años. Estudió una Licenciatura en Artes Visuales en la Universidad de Concepción, y luego Diseño gráfico. En el instituto, uno de sus docentes presta atención a sus trabajos y la invita a participar en la Asociación de Pintores y Escultores de Chile a los 19 años.

Su trabajo, que fusiona elementos del diseño, la plástica y la moda, se aproxima en lo formal al Neo-Pop, y tiene como referentes conceptuales la sobreexposición en los medios, la sexualidad y el erotismo, la tecnología industrial, la industria publicitaria y la sociedad de consumo. Si bien Gajardo ha trabajado con el zapato rojo de tacón como símbolo de glamour y sensualidad femenina, en CHILARTe presenta una serie de corazones de cerámica, algunos rotos o abiertos, otros encadenados o suturados a modo de recomponer heridas. Estas piezas continúan su exploración sobre temas como la muerte y la decepción amorosa presentes en artistas pop como Andy Warhol.

Amelia Errázuriz, Geometrías, madera de descartes intervenidas con fuego sobre madera, 51 x 43 cm c/u
Andrés Lima, Sin titulo Nº2 (DEEP RED-DARK CADMIUM-YELLOW), 2020, lápiz grafito y de colores sobre papel, 51,5 x 65,5 cm
Camila Maggi, Vulva, collage
Gabriel Holzapfel, Cancionero, track 01: Space Oddity, 2021. Técnica mixta (pintura al agua, aerosol, aceite de linaza, latex, hilos y tachuelas sobre parcge de tambor 12’’), 73 x 73 cm

La recolección de desechos industriales en madera y el estudio del concepto de acopio son los ejes que estructuran el cuerpo de obra de Amelia Errázuriz. Los desechos industriales, y especialmente los descartes de los fragmentos de molduras en madera, son resignificados en “un orden dentro del aparente desorden” de manera aleatoria, sin un patrón inicial. Las composiciones se inspiran en la geometría presente en los textiles y cerámicas precolombinos de la América andina. Asimismo, el paisaje de la zona central de Chile, y sus transformaciones -degradación y devastación por la mano del hombre-, también son parte de sus investigaciones.

Andrés Lima desarrolla su trabajo artístico principalmente a partir de la investigación de procesos políticos vinculados al desarrollo de una industrialización en relación a la arquitectura, particularmente durante el siglo XX en Latinoamérica. Sus principales medios de aproximación son el dibujo, video, la fotografía y los desplazamientos del cine.

Camila Maggi se mueve entre lo digital y lo análogo para crear collages en los que celebra la representación de la mujer y su cuerpo, ahondando en los ciclos y su conexión con la naturaleza y la luna. Gabriel Holzapfel se interesa en el cruce entre lo político y lo poético. A lo largo de los últimos 10 años, ha centrado su producción en torno a tópicos como Memoria, Desaparición, Entropía y las complejas huellas que va dejando la actividad humana sobre nuestros territorios, sensibilidades e imaginarios.

Constanza Villalba, Menina, acrílico sobre tela, 45 x 45 cm
Constanza Sierralta - CHILARTe
Daniela Orlandi, El Origen, 2018. Gres y fieltro, 40 x 40 x 20 cm
David Corvalán, Expansión verde, 2020. Alambre de cobre, 12x25x25 cm

Cuchillos y machetes de las más diversas formas y procedencias industriales, son perforados por Catalina Mena para escribir palabras en ellos, palabras que aluden a los sentimientos más profundos de la existencia humana. Como escribe Sonia Montecinos Aguirre: “Cuando se leen esas palabras, los estiletes pueden convertirse en puñales que hieren o matan, en violencias domésticas, en crímenes; pero al mismo tiempo las palabras los pueden mutar en emociones, afectos, goces, en los más íntimos deseos de quienes los manipulan. Sobre esas palabras, en algunas obras, Catalina Mena borda uniendo distintas materias sobre el frío metal”.

Artista visual, pintora y escultora en cerámica, dedicada a este oficio desde 1990, Constanza Sierralta se formó con grandes maestros como Gustavo Ross, Cristián Abelli, Jaime León, entre otros. Ha participado en diversas exposiciones individuales en Galería La Sala y Galería Praxis (Chile) y en galerías de París, Miami, Buenos Aires, entre otras. «Busco lo genuino en la simpleza, sin pretensiones, con óxidos, grietas, mucha materialidad… tratando de lograr el paso del tiempo en este entretejido de mixturas y super-posición de pastas y colores».

Constanza Villalba usa variados materiales y técnicas -pintura, grabado y acuarela- para crear figuras femeninas que posan en paisajes misteriosos, enmarcados en viñetas semi abstractas. Vida vegetal, caballos, pájaros y e imaginería arquetípica son traídos a la vida en estos escenarios. Con una trayectoria de más de 20 años exponiendo en Chile y en el extranjero, sus trabajos forman parte de colecciones en Inglaterra, Costa Rica, Guatemala, (Antigua), Corea del Sur, Brasil y Estados Unidos. Ha expuesto en ferias de arte en Chile, EEUU, Emiratos Árabes Unidos, Argentina, Uruguay y Guatemala.

Daniela Orlandi transita por la pintura, el grabado, la escultura, collage e instalaciones. Crea figuras abstractas, figurativas y también geométricas, usa acrílico, óleo y técnicas mixtas en sus pinturas y grabados, donde representa desde el apasionante mundo de la hípica hasta formas biomorficas en conversación con planos y líneas que sugieren espacios arquitectónicos. Un elemento recurrente en sus obras es una suerte de palo o vara cubierto con líneas de colores, el cual es utilizado en grupos para otorgar dinamismo a las composiciones.

David Corvalán aborda temas universales y locales a la vez, como la soledad, el desamparo, el desierto, el capitalismo feroz, los efectos de la producción industrial o la fragilidad de nuestra sociedad. Su trabajo nace desde la construcción a través de procesos artesanales con medios industriales, especialmente cobre chileno, poniendo en evidencia de esta forma los abusos de la minería en el norte del país.

Héctor Valdés, Cubic Study 1
Héctor Valdés, Ayuda
Joaquín Ceballos, de la serie Des(nudos). Lápiz pasta sobre papel, 43,5 x 43,5 cm
Jordan Castillo, 2021, cerámica modelada y esmaltada, detalles en plata, oro y lustres. Dimensiones: altura 21 cm, ancho 15 cm, profundidad 13,5 cm

A la par de su labor como cirujano plástico, Héctor Valdés ha desarrollado un trabajo como escultor que se pasea entre la abstracción y la figuración. Las obras abstractas son fruto de la descomposición de formas geométricas y volúmenes, como el cubo y la esfera, así como del desarrollo del concepto de “vacío” o hueco. Sus piezas figurativas, en tanto, guardan estrecha relación con sus intervenciones sobre el cuerpo humano en el campo de la medicina. De este modo, Valdés impregna la forma y el material -sea piedra o hierro- con la fuerza que proporciona la cirugía, lo que, en sus palabras, “te hace perder el miedo por los tejidos, ya que los doblas, los tuerces, pliegas, estiras, cambias de lugar, a pesar de que se deben mantener vivos. Luego de que haces eso, pierdes el miedo a estresar al máximo un material para darle forma a tu escultura”.

Joaquín Ceballos presenta su serie Des(nudos), dibujos hechos con lápiz pasta sobre papel que abordan las fobias personales como necesidad de un aislamiento físico obsesivo del mundo. El artista escoge así la imagen del nudo para hablar sobre un flujo que ha sido coartado, el cual podría ser el libre intercambio sensorial de uno mismo y una exterioridad desconocida causante de grandes ansiedades.

El título de la serie toma en cuenta la relación etimológica de las palabras nudo y desnudo para crear una especie de juego de palabras que apunta a la ambivalencia del significado de la imagen del nudo como metáfora de la propia relación con el mundo.

Jordan Castillo siempre ha estado interesado en la naturaleza y la interacción del ser humano con otras especies. Recolecta distintos fragmentos orgánicos, como cráneos, raíces y conchas, los cuales utiliza como material de estudio para sus cerámicas. Para unir su pasión por la naturaleza y el arte crea el proyecto BIOPHILIA, cuyo propósito es rescatar el oficio de la cerámica modelada a mano para crear piezas naturalistas y exponer así las relaciones humanas con la naturaleza. Las piezas de cerámica, al estar trabajadas por la técnica del modelado a mano, se mantienen fuera de la producción por molde y la producción en serie, teniendo como resultados siempre una cerámica única e irrepetible.

Karen Uribarri, Sereno, se posa inmóvil, acrílico sobre tela, 100 x 60 cm
Liza Marzolo, Panal de Flores, acrílico y collage sobre papel, 50 x 70 cm
Maite Izquierdo, de la serie Chascas, 2021. Técnica textil mixta, enmarcado en caja acrílica, 38 x 24 x 9 cm
Margarita Garcés, Cubo Eros, pintura acrílica sobre acrílico transparente de 40 x 40 x 40 cm

Karen Uribarri retrata animales salvajes que transmiten fuerza, intensidad y viveza mediante una paleta de colores vivos y el uso de la espátula para aportar textura y densidad a la pintura. “A ratos me los imagino observándome como si nos pudiéramos comunicar en el mismo idioma. Y a medida que los voy pintando, en mi cabeza circulan fantasías acerca de su historia, su entorno e incluso de lo que piensan”, cuenta la artista, que va componiendo cada imagen a partir de pequeñas parcelas de color, generando un efecto solarizado.

En las composiciones de Liza Marzorlo el color es protagonista. A través de este, la artista busca mostrar cómo el mundo vegetal rompe a través del cemento y las construcciones que invaden nuestro espacio vital. Marzolo es una creadora meticulosa e intuitiva. El espectador perspicaz que se enfrenta a sus obras puede percibir las horas de profunda reflexión detrás de cada pintura.

Maite Izquierdo atesora materiales textiles con historia para luego elaborar cuerpos blandos que abrigan espacios. Su obra se articula en torno al carácter cromático de la materia, revelando en ese gesto el proceso creativo como ritual íntimo y transformador que se ha expandido en un trabajo colaborativo, y que puede derivar en instalaciones monumentales. Estas ‘experiencias textiles’, tanto en su dimensión plástica como estructural, entretejen distintos medios, como el video que registra a la comunidad involucrada en la obra.

Con estudios en diseño por la Universidad Católica de Chile, y talleres de pintura y arte contemporáneo con Carlos Maturana (Bororo), Concepción Balmes y Arturo Duclos, Margarita Garcés ha posicionado su obra en exposiciones en espacios como Galería La Sala, Galería Artespacio y Galería Animal, todas en Santiago de Chile. También ha expuesto su obra en ferias como Art Málaga (Málaga, España) y Scope (Basilea, Suiza), y en exposiciones colectivas como “Mimesis: cartografías y paisajes”, en la Universidad Autónoma de Chile, y en Galeries du Aut Marais (París, Francia).

Sus cubos transparentes pintados con manchas gestuales de acrílico “representan de forma tridimensional y pictórica el mismo lenguaje de las telas, la imposibilidad de ver el todo, el tratar de buscar y tratar de ver lo que hay abajo en las telas y adentro en el cubo, la superposición de capas y mensajes difícil de leer”.

Nicolás Wormull, de la serie Touching Home, 2020. Fotografía analógica en papel Canson 260 gramos, 20,5 x 27 cm
Sol Guillon, Caballo Rojo, 2021, 50 x 50 x 18 cm, terciado marino. Disponible en CHILARTe
Tomás Santelices, Línea de vida, acrílico sobre tela, 300 x 140 cm

Nicolás Wormull se crió en Suecia, donde estudió fotografía. Actualmente vive en Chile, donde trabaja como fotógrafo independiente y como editor fotográfico. Su fotografía explora el concepto de pertenencia a través de la investigación de la familia, la nostalgia y las relaciones interpersonales. Ha sido fuertemente influenciado por su propia historia familiar bi-continental y la dualidad de haber crecido en dos culturas diferentes. Su serie Touching Home es un ensayo fotográfico que habla de una experiencia personal que también es universal, generando un espacio para lo íntimo, multifacético y ambiguo. Lejos de la perfección, estas fotos contienen la fealdad amorosa de la vida diaria. Lejos de ser pulidas y relucientes, registran las fisuras de nuestra existencia y tocan nuestra relación con el entorno en el que estamos sumergidos.

Artista miembro de la APECH-AIAP, Sol Guillón es diseñadora y tiene 20 años de experiencia como docente en diversas universidades de Santiago de Chile. “Llegué a la escultura de una manera natural”, relata la artista. “Pasé de trabajar con planos virtuales en 2D para mis pinturas o diseños, a llevarlos a una realidad tridimensional en donde utilizo la sucesión de planos que arman un total, una especie de extrusión, pero donde cada plano aporta una novedad en la lectura del total”, agrega.

Motivado siempre por la exploración del color y la materia, la obra de Tomás Santelices investiga la reacción del material y su comportamiento en el impacto contra la superficie de la tela. Desde ahí, emplea la técnica del movimiento controlado de la pintura en caída vertical sobre la tela, un ejercicio que evoca la obra de expresionistas abstractos como Jackson Pollock.

El estudio del color, la exploración del material y la reacción entre pigmentos van develando y componiendo micro mundos orgánicos que se autocontienen en los límites de la tela. El artista también trabaja con capas superpuestas, a través de las cuales se van descubriendo veladuras atmosféricas reforzadas por la luz y la sombra, insinuando espacios infinitos. El concepto de espacio y la captura del tiempo –y del movimiento- están siempre presentes en su trabajo.

Descubre sus obras en nuestra sede en Parque Arauco, o visitando desde tu casa chilarte.art

Sombrero intervenido con acrílico por Fernando Soro

Catalina Bauer | Rodrigo Canala | Rodrigo Galecio | Gerardo Pulido | Tomás Rivas | Artista Invitada: Paula Dittborn. Edición de 25 grabados digitales, firmados por cada autor. Impresos digitalmente sobre papel de algodón calidad museo (ph neutro), 2015 | Ed. 7/25 | 35 x 50 cm

Sala CHILARTe

Lugar: Local 481, Distrito de Lujo, Parque Arauco, Santiago.

Horarios de visita: lunes a domingo, de 10 a 20 hrs.

Plataforma digital: www.chilarte.art

Fecha: 15 de marzo al 12 de abril de 2022.

Instagram: @chilarte_ | Facebook: @SomosChilarte | LinkedIn: Chilarte

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