Conoce a los artistas seleccionados e invitados al noveno ciclo
Del 6 al 24 de noviembre, CHILARTe, la primera feria de arte presencial en pandemia de Chile, presenta su noveno ciclo de exposiciones, en el que participan las y los artistas Manuela Gajardo, Matías Valenzuela, Macarena Wall, Florencia Pozo, Melcy Quintana, Nadra Jacob, Nelson Hernández, Nora Arce, Paula Ceroni y María José Vega. Sus obras estarán expuestas en nuestra sede (Local 481, Distrito de Lujo, Parque Arauco, Santiago de Chile), y también se pueden ver y adquirir en la tienda de esta plataforma web, junto a las del resto de artistas seleccionados por convocatoria abierta e invitados especiales.
La inauguración es el sábado 6 de noviembre a las 11:00 horas.
En este nuevo ciclo expositivo de la feria también exponen como invitados especiales el artista Enrique Campuzano y la artista Petra Gajardo, representada por Galería Madre, y como parte de la alianza entre CHILARTe y la Asociación de Galerías de Arte Contemporáneo (AGAC) de Chile.
Sobre los expositores
Por medio de distintas aproximaciones pictóricas, que van desde el preciosismo técnico a la caricatura, Nelson Hernández busca plantear una reflexión sobre lo inmediato, tanto en cuanto a época como a espacio. Su contenido se extrae desde la interpretación del habitar –tanto territorial como temporal– de los espacios anónimos y semi invisibles.
María José Vega, Licenciada en Artes por la Pontificia Universidad Católica de Chile, continuó sus estudios de dibujo y expresión artística en la Academia de Arte de Barcelona, España. Entre sus exposiciones colectivas destacan ArteEspacio Joven, 2020 en la galería Artespacio, y feria de arte Art Stgo 2019. Ha participado en las ferias de arte Centro Cultural Palacio la Moneda y Bazart UC. Ha sido seleccionada dos veces con mención honrosa en el concurso de acuarela Hardy Wistuba.
Las obras que presenta en CHILARTe parten de una investigación volumétrica del pliegue como rasgo aislado, al que se aproxima desde la cerámica. La artista alude al plegado del papel u origami, presentando un desplazamiento del material utilizado: papel por cerámica, que no sólo reemplaza el método de construcción (plegar una hoja), sino también altera completamente la perdurabilidad del mismo. La cerámica permite al objeto persistir e inmortalizar su condición antes transformable. La acción ahora inmutable registra el proceso, siendo el pliegue la representación visual del gesto minimalista para fijarlo luego de que este haya sucedido.
Conceptos como habitar, transitar, envolver-desenvolver se sucintan en la construcción de la propuesta visual de Florencia Pozo. En sus obras, emerge la cartografía como símbolo conceptual, posibilitando mediar sobre la razón de estar contenidos en un cuerpo y ese cuerpo inmerso en nuestro planeta. La artista reflexiona sobre la envoltura como contenedor, evidenciando de forma antagónica lo inmaterial contenido en la materia, como una estrategia visual que genera la estética de lo aparente.
A través de su obra, Macarena Wall busca reinterpretar vivencias y emociones personales cotidianas. Algunos conceptos que le interesa explorar son la identidad, los modos de habitar y la infancia. “Mi obra se activa desde el detalle, desde una percepción sensorial, o desde una acción determinante, por pequeña que sea”, dice la artista. En CHILARTe presenta una serie fotográfica en la que Antü y Leonor, dos ángeles protectores, son los protagonistas. Ambos cuidan las casas del Pueblito Las Cascadas durante el otoño, el invierno y la primavera, periodos en que el pueblito está deshabitado. “Este lugar es donde yo pasaba los veranos de mi infancia, con mis abuelos y primos, a quienes veía sólo en esta época del año. Siempre me pregunte, ¿qué pasaba el resto de los meses, sobre todo en invierno?, ¿cómo era vivir en este sector del sur chileno, en las épocas de frío y lluvias interminables? ¿Qué pasaba en este pueblito cuando quedaba desierto? Siempre imaginé que alguien aparecía a cuidar el lugar, alguien que deambulaba y lo protegía. Así nació la idea de esta serie fotográfica, hecha durante uno de aquellos meses solitarios”.
A través de la técnica de tintas al alcohol, de carácter potente y expresiva, Manuela Gajardo busca crea composiciones acuosas cargadas de armonía y equilibrio. De profesión arquitecta, siempre ha estado ligada a la estética y al diseño, siendo el arte y las manualidades una parte fundamental en su vida.
Matías Valenzuela construye un imaginario geométrico a partir de pequeños trazos en lápiz y acrílico sobre papel. Fuertemente influenciadas por el minimalismo, sus obras se caracterizan por cierta apariencia austera y cuidada donde el vacío, tanto a nivel visual como simbólico, es el verdadero protagonista. Delicadas figuras, generalmente empastes de pintura, aparentan levitar sobre el plano a partir de un sombreado en lápiz. Entre ilusión y abstracción, parecieran evocar imágenes reconocibles para luego retornar a la indefinición. Junto a una paleta discreta, su ascetismo se desplaza desde lo gráfico a lo ritual. El acto de repetir una misma operación y motivo se transforma en un ejercicio de meditación cuya laboriosidad exige absoluta concentración.
Melcy Quintana comenzó a pintar en 2005, en el Taller de Alejandra Rosende, en Chiguayante, Región del Bío Bío. Aprendió de la importancia de la luz, la sombra, el diseño y cromatismo, conocimientos que traslada a sus bodegones de objetos inanimados, generalmente extraídos del diario vivir, como flores, frutas, vajillas metálicas y vidrio. En el año 2014 comenzó un taller de Arte Terapia del Alma, donde se realiza terapia del alma a través de la pintura, el compañerismo, el afecto y las enseñanzas sobre el arte del espacio, de la forma, de los colores, de la luz y la sombra.
El trabajo de Nadra Jacob tiene como base la representación, a través de la pintura, de una serie de ambientes, paisajes y elementos situados tanto en el imaginario interno como externo. A partir de lo anterior, se gesta una sinergia entre ambos mundos que le permiten crear imágenes que además de tensionar lo real y ficticio, transitan entre lo figurativo y la abstracción por medio de la utilización de una amplia gama cromática.
Nora Arce, arquitecta por la Universidad de Alcalá de Henares, completó sus estudios de escultura en la Escuela de Arte La Palma, Madrid. Su creación artística se sostiene sobre dos pilares, la experimentación con nuevos materiales y técnicas y la incorporación de la luz como elemento fundamental. Durante estos años, ha trabajado con materiales como la madera, la piedra o el barro, siendo el metal y los moldes su forma favorita de expresión.
Paula Ceroni trabaja a partir de distintas técnicas que van desde el arte textil, la fotografía, la pintura, video e instalación. Desarrolla principalmente la técnica del deshilado, en la que el hilo lenta y cuidadosamente extraído revela la silueta, como si siempre hubiera estado ahí. Así, el acto de deshilar es una acción de descubrir lo que ya existía. En la serie Desintegración explora la geometría para representar un universo imaginario. Superpone telas de diferentes colores para crear vibración y movimiento cinético de figuras geométricas que transitan por la tela. Investiga la representación 3D en formato bidimensional, en las que franjas deshiladas, por efecto de su degradación tonal, parecieran adquirir volumen sobresaliendo del plano, como efecto óptico.
Enrique Campuzano. Realismo a secas
El pintor realista Enrique Campuzano (Iquique, Chile, 1948) comenzó sus estudios en Santiago en 1970 en campos tan diversos como la puesta en escena, fotografía teatral, diseño gráfico, historia de la pintura, dibujo, anatomía y composición. Asimismo, su obra refleja una amplia variedad de temas, motivos y aproximaciones, desde flores a papeles arrugados con una impecable técnica. “Algunos autores basan su trabajo en una sola idea y la desarrollan experimentando sólo variaciones durante su trayectoria; yo he tenido la libertad absoluta de desarrollar lo que a mí me gusta y me encanta que exista diversidad en ello. Habría sido una tortura para mí tener que pintar el mismo tema durante mucho tiempo”, declara el artista.
Últimamente, Campuzano ha hecho del color la investigación principal en su obra. “Descubrí que pintar papeles de colores, es aparte de ser un ejercicio de ilusión óptica estupendo, aparentemente producen un efecto narcotizante en el observador. Había trabajado acabadamente la forma, pero no había hecho estudios sobre el color, quería investigar decididamente las posibilidades del color, llevándolas hasta el extremo. Y el elemento que resultó más adecuado para ese objetivo fueron los papeles de volantines, que a lo largo de estos últimos quince años han originado algunas de mis pinturas más reconocibles”.
En CHILARTe presenta una serie de pequeñas obras con orquídeas anteriormente exhibidas en Miami, y en las que captura con sutileza no sólo su estilizada forma y hermosos colores, sino también su carga erótica. Las flores son contrastadas con fondos alusivos a los papeles de colores.
“Mi pintura es realista; no es ‘hiper’ ni ‘mágica’, y no he caído en la tentación facilona de copiar fotos. Busco mis modelos. Dibujo y pinto muy consciente de que los grandes maestros del pasado me observan mientras trabajo en mi taller”, puntualiza el artista, cuyas obras están en colecciones privadas alrededor del mundo y en algunas públicas, como la del Museo Fundación Ralli, Punta del Este Uruguay y Santiago de Chile, El Museo del Barrio de Nueva York y el Museo Marte, en San Salvador.
Petra Gajardo y su gráfica inspirada en la naturaleza
Desde temprana edad, Petra Gajardo (Concepción, Chile, 1988) se interesó por la naturaleza, siendo un factor fundamental en la creación de su obra. El paisaje se presenta como imagen que aflora en un tramado de líneas y formas que conjugan en si un universo creado.
El estímulo no es la naturaleza en su visualidad, sino el lenguaje gráfico que le proporciona el dibujo; desde allí surgen las raíces de un mundo material. “La realidad en el cual está inscrito mi trabajo no pretende la representación directa, sino que busca descubrir en su entramado lo que no se ve. Su estancia como forma decae en lo pequeño, en el detalle de aquel mundo, para así crear algo distinto de esa imagen primigenia”, señala la artista.
